La Capilla Sixtina es una de las capillas del Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano, donde se encuentra la residencia oficial del Papa. Originalmente funcionó como la capilla de la fortaleza del Vaticano y se conocía como Cappella Magna. Su nombre proviene del Papa Sixto IV, quien ordenó su restauración entre 1473 y 1481. Desde entonces, esta capilla ha servido para celebrar actos y ceremonias papales.

La Capilla Sixtina de Miguel Ángel, es uno de los mayores tesoros en los actuales Museos Vaticanos. En esta capilla se celebran diversos actos y ceremonias papales. Y en la actualidad, es la sede del cónclave, la reunión en la que los cardenales electores del Colegio Cardenalicio eligen al nuevo Papa. La decoración de la capilla se realizó en varias etapas.

Durante el pontificado de Sixto IV, un grupo de pintores renacentistas fueron llamados a trabajar en la capilla, entre ellos:

• Sandro Botticelli,
• Pietro Perugino,
• Pinturicchio,
• Domenico Ghirlandaio,
• Cosme Rosselli y
• Luca Signorelli.

Se hicieron dos paneles al fresco, uno sobre la vida de Moisés a la izquierda del altar y otro sobre la vida de Jesucristo a la derecha. Estos paneles iban acompañados de retratos de los papas que habían gobernado la Iglesia hasta ese momento. Las pinturas se terminaron en 1482, y con motivo de la fiesta de la Asunción, Sixto IV celebró la primera misa en la capilla, consagrándola a la Virgen María.

Por encargo del Papa Julio II, Miguel Ángel decoró la bóveda de la capilla, todos los frescos del techo de la Capilla Sixtina son obra de este gran artista, que tardó cuatro años en completar la obra desde 1508 hasta 1512, creando una obra de arte sin precedentes que cambiaría el rumbo del arte occidental. Años más tarde, entre 1536 y 1541, pintó El Juicio Final en la pared del altar de los papas Clemente VII y Pablo III.

Más de 500 años después, con su extraordinaria complejidad iconográfica, los frescos de Miguel Ángel siguen atrayendo a multitud de visitantes y son considerados una de las obras maestras de la historia de la pintura.

Desde 1870 la Capilla Sixtina es sede del cónclave, una vez elegido el nuevo Papa, se le conduce a la diminuta «sala de las lágrimas» de la Capilla Sixtina, que se encuentra a la izquierda del altar bajo El Juicio Final. Se le conoce con este nombre porque el nuevo Papa suele romper en llanto por la emoción de su nombramiento.

Miguel Ángel inicialmente rechazó el encargo de decorar la Capilla Sixtina por considerarlo un trabajo demasiado grande y que incluso sospechó que sus rivales lo habían recomendado para este trabajo para verlo fracasar.

En ese momento, la técnica del fresco era casi desconocida, una técnica que no permitía errores ni retrocesos, además de requerir tiempos cortos, y no admite repintes.

Se llama fresco porque la pared se cubre de yeso con varias capas de cal, y cuando la última capa está todavía húmeda, es cuando se pinta sobre ella. Así los pigmentos se quedan integrados químicamente en la propia pared, lo cual aumenta mucho su durabilidad. Es lo que se conoce como «buon fresco».

El techo de la Capilla Sixtina

El ciclo de frescos de Miguel Ángel en el techo de la Capilla Sixtina es ampliamente considerado como una de las mejores obras de arte jamás creadas. Cubriendo un área de casi seiscientos metros cuadrados, es una proeza de la técnica y el estilo renacentistas. La narrativa central que representa, la apertura del libro de Génesis, responde a una de las preguntas filosóficas más antiguas y profundas de la humanidad: ¿Por qué hay algo en lugar de nada?

Estas imágenes icónicas de Miguel Ángel, como los dedos casi tocándose de Dios y Adán, se han convertido en las ilustraciones clásicas del relato de la creación del Génesis. Al leer el texto de Génesis hoy, es difícil no imaginar la historia en términos de la interpretación única de Miguel Ángel, que representa a Dios como una figura anciana y barbuda que domina el cosmos con la punta de los dedos. Incluso en la cultura popular, las imágenes de este ciclo de frescos se han convertido casi en sinónimos de los conceptos de Dios, la humanidad, la creación y la religión.

A pesar de su familiaridad, se debe notar la profundidad artística y la sabiduría espiritual apropiadas del techo Sixtino. Su estatus como una gran obra de arte a menudo impide que las personas entren profundamente en la experiencia visual. Hay una tendencia a suponer que lo que se reconoce instantáneamente ya se entiende bien. Es solo dentro de la atmósfera original de novedad y frescura de la obra que estos frescos se vuelven extraños, permitiendo que la brillantez teológica de Miguel Ángel brille genuinamente.

LA SEPARACIÓN DE LAS AGUAS

Miguel Ángel presenta la narración del Génesis en una cronología que se lee de abajo hacia arriba; por lo tanto, este panel superior es el tercero del ciclo. En él, Dios divide las aguas de arriba del cielo de las aguas de abajo. Dios parece barrer el mar, flotando solo unos pocos pies por encima de él.

LA CREACIÓN DEL SOL Y LA LUNA

Dios crea el sol y la luna en un solo gesto autoritario. Sus dedos apuntadores los separan, fijando sus posiciones exactas en el cielo. En el lado opuesto del sol, Dios parece alejarse con prisa, deseoso de continuar su actividad creadora. A pesar de la cronología en dos partes de este panel, Miguel Ángel utiliza el disco solar central como fuente de luz para ambos momentos, como puede verse por la dirección de las sombras de las figuras.

LA SEPARACIÓN DE LA LUZ Y LAS TINIEBLAS

En esta escena, la primera del ciclo, Dios separa la luz de las tinieblas. Con las palmas de sus manos, divide en dos una masa atmosférica arremolinada. Si bien la forma que está dividiendo parece una nube, es esencial darse cuenta de que Miguel Ángel no está representando nubes per se, sino luz relativamente pura y oscuridad pura. El texto de las Escrituras no asocia estos conceptos con ningún material en particular; por lo tanto, Miguel Ángel imagina cómo se verían la luz y la oscuridad en un estado de abstracción primordial.

LA TENTACIÓN Y EXPULSIÓN DE ADÁN Y EVA

Este panel representa la caída del hombre y sus desastrosas consecuencias. A la izquierda, Eva se acerca para tomar el fruto prohibido de la serpiente, cuya cola de proporciones grotescas se enrolla apretadamente alrededor del árbol del conocimiento del bien y del mal. En lugar de una serpiente ordinaria, Miguel Ángel representa a la serpiente con la parte superior del cuerpo humanoide, un detalle que simboliza la inteligencia de la criatura. A la derecha, un ángel que empuña una espada expulsó a Adán y Eva del Jardín del Edén. Sus cuerpos parecen envejecidos y feos, habiendo perdido el brillo juvenil de su anterior estado previo a la caída. Salen a una llanura árida y sin rasgos distintivos, que Miguel Ángel pintó de un fangoso amarillo verdoso. A través de estos dispositivos artísticos, vemos que el pecado no solo nos cambió a nosotros sino también a nuestro entorno.

LA CREACIÓN DE EVA

La mano levantada de Dios convoca a Eva del costado de Adán. Al despertar a la vida, encuentra su mirada fija en el rostro de su Creador. Sus manos están juntas, lo que indica una comprensión innata y previa a la caída de la santidad de Dios.

LA CREACIÓN DE ADÁN

En el panel más famoso del ciclo de frescos, Dios extiende su mano para infundir vida al cuerpo de Adán. Eva, que sólo existe en la mente de Dios, se asoma por debajo de su brazo, observando con fascinación el momento de la creación de Adán. La forma formada por las cortinas que rodean a Dios, Eva y varios ángeles está modelada en la sección transversal del cerebro humano y representa la creatividad e inteligencia ilimitadas del Creador. Este inspirado gesto compositivo revela el amplio conocimiento de anatomía de Miguel Ángel, conocimiento que obtuvo al diseccionar cadáveres humanos reales.

EL JUICIO FINAL

Miguel Ángel regresó a la Capilla Sixtina 25 años después para realizar una obra de arte: El juicio final (1536-1541), este trabajo lo realizó en la pared del altar. Este trabajo fue encomendado a Miguel Ángel por el Papa Clemente VII (1478-1534), pero la obra solo iniciaría después de la muerte del Papa, durante el pontificado de Paulo III (1468-1549).

Miguel Ángel pintó el Apocalipsis de San Juan en el lugar de honor de la capilla, y lo hizo con un protagonista claro: ese Jesucristo excesivamente musculado es el centro compositivo y receptor de todas las miradas, con la Virgen a su lado. Cristo está separando a los justos de los pecadores y es probablemente uno de los pocos ejemplos en la historia del arte de un Cristo rudo, casi molesto, está en un rol que pocos hemos visto, está en su rol de Juez.

En contraste con la vitalidad, el ritmo y la energía radiante de los frescos del techo, la representación del Juicio Final es melancólica y, al mismo tiempo, una composición de cuerpos sin estructura real. En total, se representan trescientos noventa cuerpos inicialmente desnudos, entre ellos la Virgen María.

Al fondo, el cielo se rasga, y en la parte inferior, los ángeles tocan las trompetas anunciando el juicio final.

Junto a Cristo, la Virgen mira hacia el costado como si se negara a enfrentar el caos, la miseria, el sufrimiento y el hecho de que los pecadores serán arrojados al infierno.

Las diferencias entre las pinturas del techo y la pared del altar están relacionadas con el contexto cultural y político de la época en que fueron realizadas.

En ese momento, Europa estaba experimentando una crisis espiritual y política. Comenzaron los años de la Reforma que daría lugar a la división de la Iglesia ante lo cual esta composición parece ser una advertencia a los enemigos de la Iglesia. No hay perdón porque Cristo es implacable.

Debido a que Miguel Ángel pintó estas figuras desnudas, la controversia creció a lo largo de los años, y muchos acusaron a la Iglesia de hipocresía y juzgaron la obra como pornográfica.

Durante más de veinte años, los difamadores de la obra se dedicaron a difundir la idea de que la Iglesia resguardaba un discurso pornográfico en una de sus principales instalaciones, acompañado de una campaña para destruir las imágenes.

Temiendo lo peor, el Papa Clemente VII encargó que se volvieran a pintar algunos de los cuerpos desnudos de la composición para preservar la obra y evitar su destrucción. Daniele da Volterra hizo este trabajo en el año en que murió Miguel Ángel. El artista es infamemente conocido como Il Braghettone, que significa el fabricante de calzones. Este nombre maldijo la reputación de Volterra por tener la tarea de pintar sobre la desnudez en el fresco de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, El Juicio Final.

A la izquierda están los que suben al Cielo, con gestos y poses de alivio y alegría, ya la derecha vemos a los condenados descender a los infiernos. En ambos casos, se han amontonado multitudes, aparentemente caóticas para reflejar angustia y fatalidad, todo inestable para dar dinamismo y desequilibrio, lo que suena muy poco clásico.

Cromáticamente, Miguel Ángel vuelve a sorprender con colores anticlásicos. Muy vivo, muy intenso, y busca sobre todo el contraste. Nada que ver con la armonía cromática renacentista. Asimismo, todas las figuras tienen un fondo azul, haciéndolas aún más presentes.

Si las observamos una por una, son obras de arte individuales, cada cual más sorprendente. Muchos de los santos de la comitiva que acompañan a Jesucristo son reconocibles por sus atributos: San Pedro y sus llaves, San Andrés y su cruz en X, Santa Catalina y su rueda afilada, San Sebastián y las flechas, y San Lorenzo y la parrilla. Incluso el autorretrato de Miguel Ángel aparece en alguna parte. Si miramos a San Bartolomé que sostiene en una mano su cuchillo de sacrificio y en la otra su piel desollada, sobre la que Miguel Ángel pinta su rostro, vemos el aspecto deformado de la piel desollada del artista, tal vez con la intención de hacer una metáfora de su alma torturada. Pues el humilde artista quiso retratarse en esa piel para no quedar igual a todos aquellos Santos.

Unos ángeles superiores, en la zona de los lunetos, portan los elementos de la Pasión de Cristo: son muy fácilmente identificables la Cruz, la Corona de espinas y la columna donde Jesucristo fue azotado.

Para mi la reflexión más importante es el encontrarme en el juicio, ¿Dónde estoy? ¿Quién me representa? Meditar frente a la pintura es el perfecto examen de conciencia.